Aos 30 anos, como ‘Missão: Impossível’ sobrevive aos próprios defeitos

Em Missão Impossível 1996, o roteiro confuso quase sabota o filme, mas Brian De Palma compensa com paranoia visual e a icônica cena da CIA. Esta retrospectiva mostra por que o original segue imperfeito, influente e essencial para entender a franquia.

Tom Cruise construiu sua imagem de astro de ação ao longo de décadas, mas antes de se pendurar do lado de fora de aviões, era o rosto de ‘Negócio Arriscado’, ‘Vidas Sem Rumo’ e do drama prestigiado de ‘Nascido em 4 de Julho’. Foi com Missão Impossível 1996 que essas duas personas finalmente se fundiram: o star system e o corpo posto em risco. Rever o filme hoje, aos 30 anos, exige honestidade. O primeiro ‘Missão: Impossível’ tem um roteiro frequentemente confuso, ritmo irregular e uma relação instável com a própria exposição. Ainda assim, sobrevive. E sobrevive porque Brian De Palma transforma defeito narrativo em tensão visual.

Esse é o paradoxo que mantém o longa vivo em 2026. David Koepp e Robert Towne empilham traições, falsas pistas, nomes e alianças quebradas numa velocidade que nem sempre produz suspense; muitas vezes produz ruído. Nos primeiros 40 minutos, o espectador passa mais tempo tentando reorganizar o tabuleiro do que absorvendo o impacto emocional da missão fracassada em Praga. Mas seria injusto reduzir o filme a isso. Quando a engrenagem do texto emperra, a encenação assume o comando. De Palma filma paranoia melhor do que muitos roteiristas conseguem explicá-la.

Brian De Palma transforma confusão de roteiro em suspense puro

De Palma nunca foi um diretor interessado apenas em eficiência industrial. Mesmo dentro de um blockbuster de estúdio, seu cinema preserva obsessões antigas: vigilância, duplicidade, corpos observados à distância, informação fragmentada, culpa e manipulação do ponto de vista. Em ‘Missão: Impossível’, isso aparece logo na abertura em Praga. A chuva, as lentes, os reflexos, a sensação de que sempre existe alguém olhando de outro lugar: tudo ali organiza um clima de espionagem mais nervoso do que explicativo. O que importa não é só quem traiu quem, mas a sensação de que ninguém controla inteiramente a cena.

Essa abordagem ajuda a entender por que o filme continua mais interessante do que muitos thrillers de espionagem mais ‘certinhos’. De Palma usa a câmera para semear desconfiança. O enquadramento frequentemente isola Ethan Hunt, transforma corredores e vitrines em armadilhas visuais e sugere que a imagem nunca entrega o todo. É um método muito ligado a Hitchcock, mas também ao próprio diretor de ‘Vestida para Matar’ e ‘Um Tiro na Noite’: suspense como coreografia do olhar. Em vez de explicar tudo de forma didática, ele prefere fazer o espectador sentir a instabilidade.

É por isso que o ritmo do filme, tantas vezes criticado, funciona melhor hoje do que parecia na época. Há trechos em que a narrativa trava, sem dúvida. Mas há também uma confiança rara em pausa, silêncio e observação. Em 2026, depois de anos de blockbusters montados para não deixar meio segundo sem estímulo, esse tempo mais paciente soa quase radical.

A cena da CIA ainda é o momento que definiu a franquia

Se existe uma sequência capaz de resumir o DNA inteiro da saga, ela é a invasão da CIA. Ethan Hunt suspenso por cabos, equilibrando o corpo a centímetros do chão, virou imagem totêmica não apenas do filme, mas da carreira de Cruise. O brilhantismo da cena está menos na ideia do roubo e mais em como De Palma organiza cada detalhe para que o espaço vire inimigo. O silêncio é quase absoluto. Não há trilha empurrando emoção. O ar-condicionado, o atrito dos equipamentos, a contenção do movimento: tudo contribui para uma tensão física.

A direção entende um princípio que a franquia jamais abandonaria: espetáculo não depende necessariamente de barulho ou escala, mas de precisão. O famoso quase-acidente do pingo de suor funciona porque a cena criou antes um sistema de regras claras. Não tocar o chão. Não elevar a temperatura do ambiente. Não produzir ruído. Não deixar rastros. Cada regra estreita o espaço de ação e transforma um simples deslocamento vertical em set piece de altíssimo suspense.

Revi essa sequência recentemente em tela grande, numa sessão de repertório, e o efeito continua notável. O público reage com um silêncio raro, daquele tipo em que ninguém mastiga pipoca na hora errada. Isso é sinal de mise-en-scène, não de nostalgia. O plano aberto que revela o corpo horizontalizado no vazio continua eloquente porque vende risco de forma legível. Antes de Cruise escalar o Burj Khalifa ou saltar de penhascos de moto, o pacto com o espectador já estava ali: ver um astro transformar o próprio corpo em instrumento dramático.

Praga, máscaras e paranoia: o que o filme faz melhor do que as continuações

As continuações refinariam a fórmula, mas poucas retomariam com a mesma força a atmosfera conspiratória do original. O filme de 1996 é menos uma aventura global em ritmo de montanha-russa e mais um thriller paranoico disfarçado de blockbuster. Até o uso das máscaras, que depois viraria marca pop da série, aqui tem algo de perturbador. Não é só truque engenhoso; é uma extensão do tema central: ninguém é confiável, toda identidade pode ser fabricada, toda imagem pode mentir.

Essa textura mais sombria também deve muito à fotografia de Stephen H. Burum. Há uma frieza metálica nas locações e uma preferência por interiores controlados, superfícies espelhadas e sombras densas que afastam o filme do colorido mais pop de muitas produções de ação dos anos 90. A imagem não quer parecer ‘limpa’; quer parecer suspeita. Até quando o filme vira espetáculo, ele preserva um desconforto visual que combina com a lógica da espionagem.

No campo da montagem, o longa alterna trechos de exposição pesada com explosões de clareza visual. Isso explica parte da sensação de irregularidade, mas também seu poder. Quando a ação chega, ela não vem como descarga aleatória. Vem como resolução espacial de um problema. Em outras palavras: De Palma pensa a ação como cinema, não apenas como cobertura de múltiplos ângulos para acelerar na ilha de edição.

O clímax no trem é excessivo, mas mostra por que o filme envelheceu melhor que muito rival dos anos 90

O terceiro ato, no trem-bala e no túnel do Canal da Mancha, já aponta para a escalada que a série abraçaria nos capítulos seguintes. É também o trecho em que o filme mais se aproxima do exagero. O helicóptero dentro do túnel tem algo de delirante, e não faz sentido ficar defendendo cada escolha em nome de coerência realista. Mas o set piece funciona porque mantém uma qualidade material. O vento no rosto, o peso dos corpos, a instabilidade do teto do trem: há atrito suficiente para que a fantasia não perca completamente o chão.

Comparado a muito cinema de ação da mesma década, que envelheceu soterrado por computação gráfica incipiente ou por decupagem caótica, ‘Missão: Impossível’ ainda se sustenta visualmente. Mesmo quando exagera, o filme sabe onde está o corpo de cada personagem, qual é o eixo do movimento e qual o perigo imediato em jogo. Parece básico, mas virou artigo de luxo.

Também vale situar o longa dentro da própria franquia. ‘Missão: Impossível 2’ levaria a estilização ao limite e quase desmontaria o equilíbrio entre identidade autoral e função serial. A partir de ‘Protocolo Fantasma’, a saga encontraria outra clareza: narrativas mais diretas, humor mais visível e set pieces desenhadas como eventos globais. São filmes, em geral, mais redondos. Mas poucos têm a estranheza formal do original. E essa estranheza conta muito.

Para quem ‘Missão Impossível 1996’ ainda funciona — e para quem talvez não funcione

Se você entra esperando a fluidez mecânica dos capítulos dirigidos por Christopher McQuarrie, pode se frustrar. O primeiro filme exige mais atenção, tolera ambiguidades e às vezes parece esconder informação demais por puro prazer de manipular o espectador. Para quem prefere ação contínua e explicações mastigadas, ele pode soar travado.

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Por outro lado, ‘Missão Impossível 1996’ segue sendo recomendação certeira para quem gosta de thrillers de espionagem com personalidade, para admiradores de Brian De Palma e para espectadores interessados em ver o instante exato em que Tom Cruise entende qual seria sua grande persona nas décadas seguintes. Não é o melhor filme da franquia. Provavelmente também não é o mais divertido. Mas talvez seja o mais decisivo.

O original é imperfeito, mas criou o molde da série

O que esses 30 anos deixam claro é que o primeiro ‘Missão: Impossível’ não sobrevive por ser impecável. Sobrevive porque seus acertos são mais específicos do que seus defeitos. O roteiro continua embolado. Algumas viradas ainda parecem mais engenhosas no papel do que na tela. E o filme certamente seria ‘consertado’ por comitê se fosse lançado hoje. Só que, nesse processo, provavelmente perderia o que o torna memorável: o gosto pelo silêncio, a fé na imagem e a disposição de deixar um blockbuster parecer um pouco esquisito.

No fim, o legado de Missão Impossível 1996 está menos na perfeição do conjunto e mais na força de uma proposta. De Palma estabeleceu a gramática da desconfiança; a cena da CIA estabeleceu a centralidade do stunt; Tom Cruise encontrou ali o pacto que sustentaria a franquia por décadas. Os filmes seguintes aperfeiçoaram a máquina. O original, porém, inventou sua alma.

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